Sergio Padovani nació en
1972 en, Italia. Su
primera exposición fue en 2007, Premio Arte en el Museo della
Permanente en Milán. Hasta ese momento su ambiente artistico giraba en torno a la música.
Desde entonces, sin embargo, inició su ascenso en el mundo del arte, con
muestras individuales y colectivas en galerías privadas, espacios
institucionales y ferias de arte.
Sergio es artísticamente
fecundo: fácilmente podríamos dividir su producción en etapas en el tiempo,
dependiendo del tipo de tema y medio de expresión utilizado. La
"marca" es siempre el uso del betún, y las referencias medievales al
área germánica y la brujería flamenca.
Sergio Padovani describe su viaje artistico como:
«Mi búsqueda se basa en la narrativa de lo inexplicable, de la corporeidad, de sus miserias y su belleza.
Es la reivindicación de la imperfección en su "autocomplaciente" pureza,
el inicio de una eternidad extraña y antinatural. Una humanidad
imperfecta animada por criaturas desequilibradas que se iluminan de
salvación en el momento preciso en que ocurre un intercambio emocional y
el diálogo con su creador.
Un escenario decadente y alienante en el que la desarmonía y lo grotesco
revela la presunción del placer: cuerpos que ocultan secretos y miedos,
sombras que viven al borde de la caída, inmóviles, aguardando su
felicidad personal.»
«La música ha sido y sigue
siendo muy importante para mí. Definitivamente me interesó la composición,
mientras que la actuación en vivo, donde la exhibición encarna otros aspectos y
donde la repetición se convierte en la regla, se trasladó a un segundo plano.
Tras varios años de experimentos musicales, entendí que tenía que cambiar el
enfoque de la comunicación artística y, por lo tanto, gracias a un encuentro
casual con las obras de Odilón Redón, decidí "explorar" la pintura,
donde el aspecto compositivo es total, mientras que el de las exposiciones es,
para mí, completamente vacío. La solución perfecta. El paso entre un lenguaje
artístico y el otro ha sido extremadamente natural y fluido ... Después de
todo, yo pinto exactamente como interpreto, investigando e improvisando,
considerando también los silencios, el ruido como un sonido. Creo que cada
marco tiene su propio sonido, que cambia y evoluciona a medida que lo hace el
lienzo.»
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| oleo sobre tela |
«Creo que mis pinturas
representan no solo la desarmonía del mundo oscuro y pesado, sino también la
feliz desarmonía de la vida cotidiana. Creo que cada oscuridad tiene luz dentro
de sí misma y viceversa... es importante que no limitemos la naturaleza de esta
condición a través de los adjetivos "positivo" y
"negativo". Creo que todos, incluso la persona más distante del
espíritu inspirador de mi trabajo, pueden encontrar algo que reconozcan. La
pintura del pasado nos ha enseñado lo que el hombre es y hace, en su majestad y
en su desesperación, sin reducciones... Solo piense en maestros como Bosch,
Bruegel, Van Der Weiden y muchos otros. Para mí, es una clave importante no
olvidar su gran ejemplo y mantener la tradición.»
«Mi transformación [desde mi primera muestra en 2007] parte de mis
investigaciones sobre el cuerpo; ahora siento la necesidad de ir más
allá del cuerpo mismo. Cuando comencé a pintar, quería que la narrativa
estuviera presente sólo en el tema de la pintura, en cada centímetro de
su carne, así el significado total debía estar todo contenido dentro del
elemento predominante, lo que quiere decir que el resto debía ser
vacío, hueco. Ahora, tras varias etapas, este cuerpo narrado ha entrado
en un ambiente, ha tomado posesión del mismo, lo ha cambiado a su imagen
y semejanza, y se ha vuelto uno con él.»
«Actúo de manera sencilla, canalizando todos mis antecedentes
culturales, todas mis influencias y todas las condiciones de mi tiempo
de trabajo en una dirección. Una forma de encontrar, después de un duro
tiempo de trabajo, un sentido común de todo este camino. Este es el tema
y la narrativa de la pintura. Actúo instintivamente frente a un lienzo
desnudo... empezando a pintar hasta que no reconozco una imagen. La
única regla es seguir sin arrepentirme la "imagen fetal" que percibo en
el lienzo. No, no soy religioso, pero respeto totalmente la estética
religiosa y su creación narrativa. Los temas pictóricos encadenados a la
religión son eternos, por lo tanto, sería imposible para mí no
exaltarlos ... y así las iglesias antiguas son lugares magníficos.»
«La muerte, de hecho, es un aspecto necesario para la vida y, en cierto
sentido, el niño está más cerca de ella de lo que parece. Quiero decir
que la relación entre la infancia y la muerte es mucho más natural y
comunicativa... los adultos transmiten el miedo. Inoculan en la cabeza
del bebé que la muerte es dolor y tristeza. En efecto, el sentimiento de
la muerte es la razón que nos impulsa a vivir e investigar y mejorar
cada día más... es el concepto del fin de algo lo que nos produce la
necesidad de comenzar una ruta. De todos modos, nada está realmente
perdido, nada muere... es solo la transformación de los elementos... a
medida que nos transformamos en la vida, somos transformados por la
muerte. Mis personajes siempre tienen el aura mortal a sus lados, pero, a
pesar de eso, buscan su felicidad inadecuada e inalcanzable. Tal como
nosotros.»
«Ser un Artista con A mayúscula, hoy en día, es muy difícil porque, en mi opinión, en el mismo "saco" hay muchos artistas talentosos y muchos que no lo son. Creo que serlo de la forma más digna posible es trabajar tanto como te sea posible con tu propio lenguaje, intentando descubrir lo que significa encontrar una técnica propia, un camino gradual que haga descubrir diferentes dimensiones de la pintura y en la pintura. Hacerlo sin buscar atajos miserables más allá de tu propio trabajo. Es un descubrimiento lento y progresivo, y quien lo enfrenta debe estar preparado para el hecho de que probablemente nunca lo logrará por completo. Por esta razón, me considero más un creador de pinturas que un artista. Creo que la palabra "artista", sólo emerge realmente cuando el proceso del sujeto en cuestión (la obra, la vida, la comunicación, el ingenio...) ha sido examinado a conciencia, de otro modo sería darle al término un rol descriptivo y sin efecto. Hoy la Tradición, creo, debería ser más que nunca sacada a la luz, codificada y renovada: ¡cada uno tiene su propia tradición artística sobre la que basar su propio "viaje"! En mi caso tiene que ver con el redescubrimiento de la estética medieval, especialmente del norte de Europa, que considero profundamente ligada a mi concepto de trabajo desde el principio.»
Sin utilizar bocetos, comienza pintando directamente sobre el lienzo de manera intuitiva, librándose al azar de los trazos hasta encontrar el camino hacia la concreción de la imagen final.
Su investigación formal es "El Hombre brutal y demencial" y su relación con el "amor", que justifica su existencia.
Denominado pintor del alma y de la
búsqueda, en sus obras reina la armonía del silencio que nos transporta a
otros estados de la comprensión.
SANCTIMONIA
La exposición personal de Sergio Padovani "Sanctimonia" - término latino
que indica santidad y pureza - se refiere a la relación dicotómica y
ambigua entre el Bien y el Mal, una guerra en curso desde la antigüedad
hasta los tiempos modernos. La muestra ofrece una nueva serie de
pinturas inéditas, especialmente diseñadas para la exposición doble del
artista, que se refieren a santos, algunos conocidos en el área local,
otros martirizados.
La elección del artista y el curador ha recaído sobre algunas de las
figuras de santos que prevalecen en la tradición histórico-artística
(entre los que se cuentan algunos que se veneraban precisamente en el
territorio de Imola), tanto en las personalidades poco conocidos de
diferentes períodos históricos y diferentes áreas geográficas, olvidados
hoy en día o que pocos consideraban que tuvieran particularidades
especialmente interesantes. El proyecto fue elaborado después de un
estudio preciso, que también tuvo en cuenta la famosa colección de
biografías Legenda Aurea, del fraile dominico Fray Jacobo de Varagine,
compilado a partir de 1260 y terminado en 1298, a la muerte del autor,
en el se recogen, en un santoral organizado según el año litúrgico,
alrededor de ciento cincuenta años de santos, privilegiando a los
antiguos, pero sin descuidar su época.
El proyecto reconstruye en los espacios centrales de la galería una
suerte de capilla votiva para recrear la atmósfera de recogimiento
frente de las imágenes alegóricas de santos y santas, con sus atributos
iconográficos propios, lo que explica su relación con el diablo y la
dimensión ultraterrenal, mientras que a un lado hay retratos de pequeños
herejes o excluidos de la Iglesia, que por lo tanto no tienen acceso al
espacio sagrado.
All content copyright © by Sergio Padovani.
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